Dans une jam poétique de corps, de voix et d’objets, les trésors oubliés au fond des poches prennent enfin la parole.

Billes, papiers froissés, chewing-gums usagés, morceaux de bois, tickets déchirés, vis cassées ou petits cailloux deviennent les protagonistes d’un paysage sonore et imaginaire en perpétuelle transformation.
À travers le théâtre visuel, le chant collectif et la manipulation d’objets, In The Pocket invite le public à entrer dans un monde où l’inutile retrouve sa puissance d’émerveillement.

Inspiré des pratiques de CircleSongs, du Soundpainting et des jeux d’improvisation vocale, le spectacle fait du public un véritable partenaire de scène. Les spectateur·rice·s chantent, respirent, écoutent et composent ensemble une matière vivante qui transforme constamment la représentation.

Après, mettre la main dans votre poche ne sera plus jamais pareil.

In the Pocket sort de la poche des enfants ses incroyables trésors. Il promeut la diversité, l’équité, l’inclusion. C’est une envolée vers la curiosité, le chaos, l’inutilité, l’ennui qui réveille l’envie. A travers l’usage de langues, sonorité, objets hétérogènes qui cohabitent vivement, nous souhaitons induire une ouverture à ce qui est non familier.

La poche comme territoire imaginaire

Les poches des enfants sont des écosystèmes riches et inclusifs.
Elles accueillent sans hiérarchie des objets disparates : un coquillage, une bille, un papier froissé, un bonbon oublié, un morceau de verre aux reflets d’arc-en-ciel.

Dans In The Pocket, la poche devient une métaphore de la cohabitation des différences.
Des objets sans valeur apparente y trouvent une place, une voix, une histoire. Le chaos y devient fertile. L’inutile y devient précieux.

Le spectacle célèbre cette capacité propre à l’enfance : inventer des mondes à partir de ce qu'un adulte pourrait definir "presque rien".

Ce projet s’inscrit dans une approche décloisonnée des formes artistiques :

• Langages et paroles poétiques : exploration du langage et de la musicalité des mots.

• Explorations géopoétiques et spéculatives : jeux de réinvention du monde à travers des objets et sons collectés.

• Convergences des arts : musique (chants collectifs et recherches sonores) et théâtre visuel.

FAIRE CHANTER LE PUBLIC

Favoriser l’inclusion et la diversité : les enfants d’abord

Dans In the Pocket, chaque personnage est accueilli tel qu’il est et tel qu’il deviendra après la rencontre avec les autres (par exemple, un chocolat fondu qui croise une tête de Lego). La poche devient métaphore d’inclusivité : lieu de cohabitation improbable où des objets disparates — un caillou, un vieux ticket de caisse, un coquillage, une bille — coexistent sans hiérarchie.

De la même manière, le chant collectif célèbre la singularité des voix : certaines se fondent dans le chœur, d’autres émergent, certaines s’effacent puis reviennent. Chaque spectateur.rice, en apportant sa voix, participe à une polyphonie qui reflète la richesse et l’hétérogénéité de ce monde intérieur. Cette expérience gomme les frontières de langue, d’origine ou de culture : il n’est plus nécessaire de “comprendre” ou de “savoir” pour participer — il suffit de respirer et de donner un son. L’acte même de chanter ensemble crée un territoire commun, fragile mais puissant, où chacun compte.

Renforcer le lien avec la scène

L'intégration des voix du public ne constitue pas seulement un moment participatif : elle agit comme un élément dramaturgique central. Lorsque les spectateurs chantent, ils deviennent littéralement le paysage sonore du spectacle : un souffle collectif qui habite la scène, un tissu invisible qui relie les personnages, les objets et les images.

Pour l’enfant spectateur, ce moment est marquant : il n’a pas seulement assisté à une histoire, il en est devenu une des forces vives.

Pour l'adulte : retrouver l’émerveillement par le chant collectif

Dans la dramaturgie d’In the Pocket, l’adulte n’est pas seulement spectateur passif : il est convié à entrer dans l’univers de l’enfant, à partager son regard sur le monde. La poche, remplie d’objets hétéroclites, révèle un imaginaire foisonnant et non utilitaire que les adultes ont souvent oublié. Le chant collectif agit alors comme une passerelle sensible : il oblige l’adulte à quitter la position d’observateur rationnel pour entrer dans une expérience immédiate, sensorielle et ludique.

Chanter ensemble — sans exigence de justesse ni de performance — réactive une dimension de jeu et d’abandon. En mêlant sa voix à celles des enfants, l’adulte accepte de se laisser guider, de redevenir « apprenti », de goûter à une forme de naïveté partagée. Il s’agit moins de « produire » une musique que de s’accorder à une vibration commune.

Ce déplacement dramaturgique est essentiel : par le chant, l’adulte est symboliquement invité à se glisser dans la poche de l’enfant, à voir et ressentir le monde par son prisme. C’est une expérience de renversement : l’enfant devient porteur d’imaginaire, et l’adulte se met à son écoute, redécouvrant une capacité d’émerveillement souvent assoupie.

En sortant du spectacle, l’adulte n’a pas seulement « regardé » un monde enfantin : il l’a traversé physiquement et vocalement, ce qui enracine l’expérience bien au-delà de la simple contemplation.

La dimension rituelle : respirer ensemble, créer ensemble

(Envolée lyrique)

Au-delà de l’inclusion et du jeu, le chant collectif porte en lui une dimension rituelle. Dans une société où les moments de respiration communautaire se raréfient, chanter ensemble devient un acte symbolique : il réunit les individus au-delà de leurs différences et les relie à quelque chose de plus vaste qu’elleux-mêmes.

AUTOUR DE LA NOTION D’ “OBJET”

Pendant la recherche, nous testerons différentes manières de mettre en valeur et de donner vie aux objets. Le point de départ seront les objets dans les poches des spectateur.rices.

À partir de là, plusieurs pistes seront explorées :

· Les objets réels, tels qu’apportés par les spectateur.trice.s.

· Leur transformation à travers des objets manipulés comme des marionnettes, peut-être customisés ou des reproductions agrandies, plus visibles et attractives.

· Leur incarnation par les comédien.ne.s, qui représenteront l’objet par le corps et le jeu théâtral.

· Leur transposition sonore.

PARTICIPATION ET MEDIATION

Le projet peut être accompagné d’ateliers participatifs autour :

• de l’improvisation vocale (Circle Songs) ;
• de l’écoute collective ;
• du théâtre d’objets et marionnettes ;
• de la collecte d’histoires et de sons ;
• de la création sonore (bruitage, effets, usage du microphone).

Ces ateliers prolongent les questions portées par le spectacle :
- comment créer ensemble ?
- comment écouter ?
- comment la voix, le bruitage, la marionnette et les effets sonores travaillent ensemble poru créer un personnage sorti de poche ?

PLANNING ET HISTORIQUE DE CREATION

Calendrier des résidences d'écriture :

15/19 septembre 2025 (la Montagne Magique - Bruxelles);

20/24 octobre 2025 (les Tanneurs - Bruxelles);

17/21 novembre 2025 (le SACD - Bruxelles).

20, 23, 24 mars 2026 (La Montagne Magique- Bruxelles)

Calendrier des résidences de recherche (soutenue par la FWB-Interdisciplinaire) :

16/20 février 2026 (Maison Qui Chante - Bruxelles);

04/08 mai 2026 (la Roseraie - Bruxelles) : teaser sortie de résidence : https://vimeo.com/1192275272?share=copy&fl=sv&fe=ci

21/25 septembre 2026 (la Roseraie - Bruxelles)

12/16 octobre 2026 (Théâtre Mercelis - Bruxelles) : sortie de résidence le 16 octobre.

Calendrier de recherche scénographique :

19/23 octobre 2026 (au Vaisseau de Tournai)

Entre septembre 2026 et janvier 2027 (en recherche).

Calendrier de recherche d'écriture de plateau :

14/18 décembre 2026 (La Maison Qui Chante, confirmée).

Calendrier de création et écriture dramaturgique :

8 au 12 février 2027 (Bamp, confirmée).

Projet soutenu par l'asbl Impro Nomade (www.impronomade.org), par la Bourse à la recherche de Valeria Roveda de la FWB-Interdisciplinaire, par la Maison Qui Chante, la Roseraie et le Théâtre Mercelis.